Illustration/Bande dessinée bachelors

Composer avec la couleur

Joanna Lorho, Laetitia Gendre, Rebecca Rosen — 2026-04-17T00:24:19Z

Ci-dessous, quelques petites astuces à garder en tête lorsque vous composez des images en couleur.

1. Pensez d'abord aux grandes masses.

Avant de vous lancer, faites des petits croquis avec des formes abstraites simplifiées pour vérifier que la composition "fonctionne". C'est aussi l'occasion de tester différentes combinaisons de couleurs.

Eva Lindstrom

Les compositions avec des lignes diagonales ou en zig-zag sont souvent plus dynamiques.

Marc Majewski

2. Réfléchissez bien à vos combinaisons de couleurs
Il faut faire des tests pour trouver les bonnes couleurs pour communiquer une idée, une ambiance, un endroit, une heure, etc. Faites des choix intentionnels.

Ça peut parfois vous aider de vous référer à la roue des couleurs, et de réfléchir aux relations entre les couleurs.

Des couleurs adjacentes sur la roue créent souvent des images plus harmonieux, tandis que des couleurs plus contrastées peuvent servir à ajouter du drame ou de la tension à l'image. Voici quelques exemples des différentes relations de couleurs.

ANALOGUES
Ingrid Godon

Jérémie Fischer

COMPLÉMENTAIRES
Joaquin Camp

TRIADIQUES/TETRADIQUES

Marie Kanstad

ADJACENTES COMPLÉMENTAIRES
Julie Morstad

3. Lumières et ombres colorées
Vous n'êtes pas obligés de désaturer vos couleurs dans les zones de lumière et de dessiner des ombres gris foncé ! Pour montrer le volume d'un objet ou d'un personnage, au lieu de ternir votre couleur en y ajoutant du blanc ou du noir, vous pouvez choisir une autre couleur toute aussi intense mais d'une valeur tonale différente.

Olivier Tallec

L'ombre projeté par un objet contient souvent des traces de la couleur de l'objet, tandis que l'ombre sur l'objet lui-même contient des traces des couleurs à proximité dans son environnement.
Béatrice Alemagna

Au lieu d'ajouter du noir ou du gris à une couleur pour l'assombrir, ajoutez sa couleur complémentaire.
Béatrice Alemagna

4. Une palette limitée peut être puissante

Limiter votre palette de couleurs peut vous permettre de composer des images avec plus de facilité, naviguant entre des aplats et des traits...
Gerda Dendooven

... mais une palette limitée peut aussi être utilisée pour faire des images complexes, surtout si les couleurs sont superposées en transparence.

Melissa Castrillon

5. Varier les traits

On peut varier entre des traits durs et des traits doux pour donner plus d'intérêt à une image. Dans la vraie vie, nos yeux n'appréhendent pas tous les objets de la même façon au même moment : on voit toujours des zones nettes et des zones floues en même temps.
Joanna Hellgren

Olivier Tallec

6. Profondeur de champ
Le flou peut aussi être une façon d'ajouter de la profondeur à l'image : typiquement, on voit les objets au loin avec moins de précision.
Sidney Smith

On peut également utiliser la couleur pour séparer les champs de l'image, par exemple, en fonçant des éléments lointains silhouettés.
Kitty Crowther

7. Utilisez le blanc de la page

Le blanc de la page peut être utilisé comme n'importe quelle autre couleur dans une composition. Il peut également être mobilisé au service d'un récit.

Mac Barnett et Jon Klassen

Préparer des images pour l'impression

Joanna Lorho, Laetitia Gendre, Rebecca Rosen — 2026-03-27T00:25:26Z

Un dessin ‘analogique' sur papier, s'il est voué à être diffusé – qu'il soit imprimé en vue d'une publication ou diffusé sur un support numérique – doit être digitalisé et retravaillé en fonction du procédé de diffusion (impression laser, jet d'encre, risographie, offset, indigo, sérigraphie, web….)

Scanner un document

Une fois le scanner branché à l'ordinateur, on peut accéder au logiciel du scanner soit via un pilote téléchargé antérieurement, soit via la fonction "importation" du logiciel de traitement d'image. Ex. en Photoshop : "Fichier >> Importation >> Images du périphérique"

Avant de scanner, on doit établir la définition du scan, le mode colorimétrique, le format de sauvegarde, et l'endroit sur l'ordinateur où on va sauvegarder les scans.

1. Taille et résolution

Digitaliser une image, c'est transformer une image en code. Le pixel est l'unité de base de la définition d'une image numérique matricielle (vient de l'anglais ‘picture element')

Franco Matticchio, Elefante Pasquale

Quand on scanne une image, on doit décider de la taille et de la résolution de cette image une fois digitalisée.
– La taille est en général donnée par le document (qui doit toujours être d'une taille égale ou supérieure à l'image imprimée).
– La résolution, qui se définit en nombre de pixels/pouce (ppi = "pixels per inch") va déterminer la qualité de l'image et la taille réelle à laquelle elle va pouvoir être imprimée en gardant une haute résolution, c'est à dire, une bonne qualité.

-> Il est donc important, quand on scanne un dessin, de choisir la taille et la résolution adéquates : image 72ppi pour les écrans, images 300ppi pour le print papier, en général. Mais tout dépend de l'utilisation de l'image : dans la bd classique, on imprime un trait noir par dessus une image colorée- dans ce cas, le trait noir est à 1200 ppi et l'image en couleur est à 300 ppi. Ou si, par exemple, on veut agrandir un dessin, mieux vaut le scanner à haute définition, c'est-à-dire minimum 600 ppi. Ainsi, on pourra obtenir une image dont la taille est deux fois supérieure, une fois la résolution ultérieurement ramenée à 300ppi.

Dans Photoshop, lorsqu'on change la taille de l'image (Image>> Taille de l'image) on doit verrouiller les mesures pour préserver le même rapport entre la largeur et la hauteur, sinon :

On peut aussi changer les dimensions de l'espace autour de l'image (Image>> Taille de la zone de travail)

2. Mode colorimétrique

La boite de dialogue du scanner propose différentes options : RVB, niveaux de gris, bitmap :
- pour une image en couleur, on choisira rvb, qui est l'espace colorimétrique de l'écran. Il faudra plus tard convertir dans un profil colorimétrique spécifique au mode d'impression. (voir cmjn, bichromie etc. plus loin)

- pour une image en noir et blanc, plusieurs solutions :

• le mode Niveaux de gris permet de restituer toutes les nuances de gris entre le blanc et le noir. C'est le mode qu'on choisira pour un dessin qui présente des valeurs de gris, un dessin au crayon, fusain, ou une photo en noir et blanc.

• le mode Bitmap produit des images très contrastées, dans lesquelles les pixels ne peuvent être que noirs ou blancs. ça peut être pratique pour des images au trait, avec des lignes noires à l'encre ou au marqueur par exemple. (on peut rappeler la 'recette' de Guillaume Chauchat qui consistait à prendre en photo un dessin au trait, à forcer les contrastes et à passer l'image en bitmap, pour obtenir rapidement un document purement noir et blanc)

Franco Mattichio, Estrapolazione da la casa incantata

3. Enregistrement

Il est important d'organiser son espace de travail en définissant une destination (un dossier où l'image va s'enregistrer) et un nom pour le fichier (si c'est une série de fichiers, on gardera le même nom et l'enregistrement se fera avec des numéros a la suite de ce nom)

4. Formats

On peut choisir le type de fichier désiré : TIFF, JPEG, PDF, PNG... Le TIFF est un fichier non compressé, qui peut prendre de l'espace dans votre ordi mais ne sera pas dégradé. La compression JPEG, si elle est de haute qualité, peut convenir à pas mal de situations sans que cela soit visible. Sur des documents de petite taille où la résolution est assez basse, attention ! La compression JPEG crée des 'artefact' (pixels bizarres) assez moches qui peuvent se voir ensuite.

5. Réglages

Il y a des possibilités dans la boîte de dialogue du scanner, mais le mieux est souvent de garder un scan neutre et de faire des réglages après dans un logiciel de traitement d'image : ainsi on garde un maximum d'information et une plus grande latitude pour la suite (si on contraste dès le scan, par exemple, on risque de perdre des informations dans les tons intermédiaires qui auraient du être gardées)

Nettoyage, réglages, marges...

L'image scannée nécessite souvent (toujours) des réglages : format de l'espace de travail (si l'on n'a pas prévu de maaaaarges !), contrastes, saturation des couleurs, tonalité, luminosité...

Il est également souvent nécessaire de passer par une étape de 'nettoyage' de l'image scannée. Est-ce que le fond est ok jusqu'aux bords ? (à nouveau : checker les marges !)
Si on souhaite un fond coloré, garder le fond que l'on a scanné n'est pas toujours la bonne solution. Il vaut souvent mieux, si on veut quelque chose de régulier et uniforme sur tout un travail comportant plusieurs planches, passer les fonds au blanc et remettre une teinte dans les blancs, ça permet d'avoir la même partout.

nb : là encore, ça dépend aussi de ce que l'on veut obtenir et avec quel mode d'impression on veut travailler par la suite : On ne fera pas les mêmes choix pour faire un livre imprimé en offset, un fanzine à la photocopieuse ou à l'imprimante laser, jet d'encre ou à la riso.

Quelques généralités sur les différents modes d'impression

La manière de préparer les images va être assez différente selon les choix d'impression :

Offset : les imprimeurs travaillent avec des profils colorimétriques CMJN. On doit convertir dans ce cas les images dans le profil avec lequel travaille l'imprimeur en question, il y a différents standards à utiliser selon les papiers et les types d'images. (papier couché ou non, taux d'encrage.. )

Attention aux couleurs non-imprimables ! les possibilités sont larges mais excluent quand même certaines couleurs, notemment les fluos ! Si on travaille avec ce procédé, il est possible d'ajouter une encre qui correspond à la couleur souhaitée : on appelle ça un 'ton direct'.

On peut aussi travailler uniquement avec des tons directs, en bichromie ou trichromie... Cela demande une préparation particulière des fichiers : il faut pouvoir séparer ce qui sera imprimé dans chaque couleur. Pour ça, les images peuvent se travailler directement dans un espace digital spécifique (ie. photoshop).

On peut aussi, à partir d'une image rvb en couleur, séparer automatiquement les 'couches' avec un logiciel comme Spectrolite. Cette manière de travailler en couleurs séparées peut convenir aussi à la préparation d'une impression en sérigraphie ou en riso.

Ludwig Bemelmans

Impression laser ou jet d'encre (comcolor) : on laisse les images en RVB et c'est en général la machine qui convertit. Il faut faire des essais...

Risographie : c'est un procédé d'impression qui s'apparente à la sérigraphie, dans la mesure ou chaque couleur va être imprimée séparément, successivement, à partir d'une matrice (c'est un peu le principe du pochoir). Il faut donc préparer des images en noir et blanc qui correspondent chacune à une des couleurs d'impression.

[BAC3] Micro-édition

Joanna Lorho — 2026-02-01T21:20:00Z

``BD/ILLU BAC3 - projet Q2 - stage/orientations
FÉVRIER 2026

MICRO-ÉDITION

Il y a quelque chose de galvanisant dans l'auto-édition. Libre, riche, prolifique, pas besoin d'attendre une permission pour en produire, pas de business plan ingérable, on travaille avec les moyens du bord, on y met le contenu qu'on veut, on lui donne la forme qu'on veut/qu'on peut, résolument à la marge, l'auto-édition donne de la voix. Reposant sur des bénévoles, des amateur·ice·s, des passionné·e·s, on trouvera des projets d'éditions qui s'essoufflent après 3 numéros, d'autres qui durent des années, marquant durablement une génération …. de fans.

Petit historique :

Le fanzine contraction de « fanatic magazine », est donc une édition DIY (« Do It Yourself ») : fabrication maison, pas de dépôt légal, distribution à la main, en soirée, en festival, par voie postale ou par dépôt ( aux états-unis il y a les conventions, incontournables). Souvent peu gourmand en investissement, et peu rentable - on verra que ces deux aspects peuvent avoir évolué ces dernières années -, l'auto-édition offre la possibilité de distribuer facilement du contenu alternatif, militant, pointu, potache, expérimental, subversif… bref, libre. Côté investissement, c'est relativement simple : travail d'amateur·ice·s bénévoles, les bénéfices liés à la vente d'un numéro permettent en général l'impression du suivant. Sa périodicité peut donc être aléatoire et sa durée de vie relativement courte.

Le premier fanzine « The Comet » paru dans les années 30 aux Etats-Unis est consacré à la science fiction et rédigé par des fans. En France et en Belgique, on attend les années 60s et, plus tard, la scène punk pour voir le mouvement exploser avec des contenus consacrés à la contre-culture, à l'activisme politique : la remise en cause d'une société hyper normée à travers le rock, le cinéma, la littérature … Les premiers fanzines consacrés à la bande dessinée, parus dans les années 60s, ne sont pas dessinés : comme dans les autres domaines, on y trouve des écrits sur la BD ! La production est motivée par un besoin de légitimer cet art considéré comme mineur, et permet l'évocation nostalgique de lectures passées. Heureusement, certains lorgneront assez vite du côté d'une bd émergente, avec des interviews, des analyses, des compte-rendu de festivals, des notes de lecture… Fin des années 70s, on voit arriver les fanzines dit « de création » dans un contexte post 68 favorable à la presse alternative et au mouvement DIY ». L'auto-édition est liée aux moyens de reproduction (cf stencils, ronéotype, photocopie ), ainsi qu'aux festivals dédiées à la bande dessinée qui vont émerger en Europe et constituer un noeud de rencontres incontournable. De cette vague de fanzine qui va durer jusqu'à la fin des 90s vont émerger des auteur·ice·s majeur.e.s, une génération de critiques de la bande dessinée et quelques maisons d'édition. On l'aura compris, dans le milieu de la bande dessinée, le fanzine dit « de création » est un endroit de création libre, d'expérimentation qui permet aux auteur·ice·s émergent·e·s de tenter des choses, de les partager, et de rentrer en contact avec des éditeur·ice·s.

Le début des année 90 voit émerger un autre type de publication, qui n'est plus seulement un « tremplin », ou un moyen de se faire la main en dessinant ses premiers récits. L'auto-édition doit répondre à un besoin de s'émanciper d'un produit « bande dessinée » trop étroit, trop classique. Le champs « fanzine » est investi et permet l'émergence de nouvelles expériences - tant au niveau de la forme que de la narration. On ne dit d'ailleurs plus forcément « fanzine », mais on parle de « micro-édition », ou de bande dessinée « alternative ».
Cette bande dessinée d'avant-garde passe par des collectifs, ou des petites structures d'éditions (cf Amok, Freon, L'association, ego comme x, Vertige Graphic, FLBLB, Le Dernier Cri, Six pieds sous terre, Atrabile, Cornélius, L'employé du moi.... et plus récemment Super Loto, Matière grasse, Misma, Bien Monsieur, Même pas mal, Forgerie, Tieten met haar, les éditions Vite, Mardi soir… et à l'internationale Kûs !, Wobby Club, Terry bleu, Pow wow, Hollow press... parmi tant d'autres...). Des publications sorties tout droit d'écoles d'arts, d'écoles pluridisciplinaires vont favoriser le contact avec de nouveaux outils et faire émerger de nouvelles formes (via l'utilisation de la sérigraphie, de la gravure, la risographie, ou du numérique par exemple…), les productions ne se désignent plus forcément comme « fanzine », se situant parfois du côté du livre-objet, du livre d'artiste ou du recueil. On note dans les années 2010-2020 des écoles comme la HEAR dont sortiront des expériences collectives : Ecarquillettes, Gargarisme, Petite nature ou Nyctalope par exemple, ou Emile Cohl à Lyon dont sortent la plupart des auteurs qui mène la revue Arbitraire.

Le fanzine « critique » disparaîtra quant à lui quasiment totalement avec l'apparition du net (des sites comme DU9.org éditent en ligne critiques, interviews, humeurs…).
Ceci dit, depuis quelques années aux États-Unis, Bubbles ‘zine a repris le format du fanzine « critique » de BD, mélangeant l'esthétique du fanzine punk au contenu du fanzine de BD classique (interviews, essais, critiques, etc.)
On pense aussi à la Revue Ventoline (orchestré par Félicité Landrivon autour des musiques alternatives et celles qui les produisent, dessinent, racontent, organisent les concerts etc à travers interviews, illus, planches BD, textes libres...)

Projet :

Nous vous proposons de tenter une expérience de publication collective dont vous déciderez la forme, le mode de production, de distribution, le tirage, sa périodicité peut-être.. (si l'expérience devait se repoduire hors école), son contenu, son prix de vente (s'il est vendu)...

Ce projet vous appartient. Menez le à 2, 3 ou 4, faites un annuaire, un plié, ou un flip book, vous êtes les maîtres.ses à bord.

Voici cependant quelques quelques remarques :

- Autorisez-vous des invité·e·s : allez chercher un·e étudiant·e d'une autre orientation, un·e ami·e pour se joindre à vous et mobiliser d'autres compétences ?
- N'oubliez pas : l'objet devra être plastique, il ne peut pas contenir seulement du texte. Mais il peut accueillir tout le reste.
- l'objet doit être reproduit au moins en 5 exemplaires. (Notez que dans le cas d'ajouts à la main ou de tirages sérigraphiques, on ne parlera pas de tirages rigoureusement identiques).
- N'oubliez pas de penser à un titre et à un thème.
- Adaptez bien le format et les techniques d'impressions aux contenus (ou l'inverse !)
- Réfléchissez à la tension entre l'objet éphémère et l'envie de documenter/commenter/témoigner/archiver le moment présent.

Les publications seront fraîchement imprimées au plus tard pour Papier Carbone (weekend des 9 et 10 mai 2025)

=> Si vous êtes motivé·e·s : nous pouvons réfléchir à un « lancement » à l'école.

Le travail sera évalué en continu :

• Sur les présentations des différentes étapes aux dates indiquées. Dates à valider collectivement le 6/02

• Selon les critères suivants : aboutissement d'un travail collectif, satisfaction concernant l'objet et son contenu, degré d'expérimentation, possibilité de renouveler l'expérience.

• Calendrier à valider collectivement le 6/02 :
6/02 présentation + discussion
20/02 qui bosse avec qui sur quoi ?
27/03 maquette du projet avec une définition de l'objet, du contenu et des images, du mode d'impression.
24/04 maquette à valider/prêt pour l'impression ou exemplaires déjà imprimés (V1)
08/05 l'objet est imprimé en 5 exemplaires.

Des pistes à suivre (beaucoup de fanzines seront apportés lors des ateliers)

• http://1fanzineparjour.tumblr.com/
• Sur le fanzine en France : neuviemeart.citebd.org/spip.php ?article1168
• Sur la contre-culture et la bande dessinée : neuviemeart.citebd.org/spip.php ?article722
• « Les zines contre internet : s'éditer, ou se dématérialiser » :
https://projets.ex-situ.info/etudesdulivre21/liv2/legendre/
• fanzinothèques de Poitiers : www.fanzino.org
• fanzinothèque belge : www.lapetitefanzinothequebelge.eu

• Un fanzine carré (unfanzine.com) (hécatombe), La poinçonneuse (/lapoinconneuse.wordpress.com/), Editions abstraites (editionsabstraites.tumblr.com), Bichel édition, Flutîste, Radio as Paper, Les machines, Papier gâché, Papier gachette, Super Structure, Lagon, Bien Monsieur !, Fidèle, éditions Vite !, Biscoto,Cuistax, Fémixion, Stache moule, Animal Press, Nina Cosco, Margot Criseo, éditions BurnAoût, HalfLetter Press, éditions téméraires.....

L'illustration en tête de l'article est un tirage de Kione Kochi en collaboration avec Temporary Services.

[BAC2] Phénomènes, livres et dipositifs animés

Joanna Lorho — 2026-02-01T17:20:00Z

BD/ILLU BAC2 - Q2 - orientation
FÉVRIER 2026

PHÉNOMÈNES, LIVRES & DISPOSITIFS ANIMÉS

Le phénomène est un fait observé, fait naturel, issus du monde physique, fait social, fait psychique lié à l'émotion, à la pensée. On parle aussi de phénomène pour quelque chose qui sort de l'ordinaire, parfois pour une personne qui présente quelque chose d'exceptionnel.

La transposition visuelle d'observations et d'expériences, de principes, ont largement contribué à l'élaboration d'un savoir partagé, à une certaine compréhension du monde. Le dessin a cette particularité d'être potentiellement un schéma, qui va synthétiser, représenter un ensemble, mais peut aussi se faire très précis pour figurer quelque chose de particulier. Le dessin peut représenter une situation ou un objet correspondant à une situation réelle mais on pourra toujours choisir le degré de réalisme selon le type d'information que l'on souhaite véhiculer, oscillant ainsi entre une traduction graphique, didactique, et une réécriture poétique du réel.

Nous vous proposons de choisir un phénomène et de l'illustrer/le mettre en scène à travers un travail en images, ou à travers un dispositif. Nous vous invitons à penser l'objet (ou le dispositif) et à faire une proposition plastique de type « livre animé » ou « livre interactif » (avec la possibilité de dériver jusqu'à la performance en son/image), soit des propositions qui utilisent le mouvement et/ou la 3D (disques, pliages, tirettes, pêle-mêle, trou, volvelles, diorama, ombrocinéma, pop-up, son, textile...) pour restituer une situation ou des connaissances.

Si aujourd'hui ces « systèmes » ou « transformations » sont essentiellement déployés pour rendre les livres jeunesse plus attrayants, différents dispositifs tels que volvelles, disques, rabats, pop-up, ont été mis au point dès le moyen âge pour des ouvrages d'astronomie, de navigation ou de médecine pour une meilleure compréhension de savoirs complexes, ou pour se substituer à des outils onéreux (dans la navigation ou l'astronomie notamment). Plus tard sont apparus des livres qui utilisent des procédés optiques ou des mécanismes qui relèvent plus du jeu ou du spectacle. Nous aurons l'occasion de retracer l'évolution de ces inventions en atelier, de s'intéresser aux évolutions esthétiques et techniques des ouvrages « animés », ainsi que ce qui a motivé ces inventions.
Nous regarderons la richesse et la diversité de la littérature jeunesse, de la bande dessinée et d'autres ouvrages qui traitent des phénomènes, comment ce départ thématique peut mener à des récits et des propositions riches, complexes et originales, quels sont les procédés plastiques pertinents et quel auteur·ice·s phares nous pouvons retenir.

Pour ce travail, il ne s'agit donc pas de rester cantonné à une fonction d'enseignement par l'image/l'objet (didactique), ni d'aller vers un objet seulement esthétique et ingénieux, mais de croiser informations, graphisme, jeu, design, matières et poésie, son... pour un objet dont la lecture, l'exploration traduit une vision, une interprétation singulière d'un phénomène donné. Un objet de découverte qui met au travail différents médiums pour véhiculer du sens et du plaisir.

La latitude est grande pour cet intitulé, si vous souhaitez rester attaché au médium bande dessinée, les exemples ne manquent pas concernant l'ingéniosité dont des auteurices ont fait preuve pour parler d'un phénomène. L'idée reste la même : jouer avec la forme et trouver des manière pertinentes de raconter, montrer, démontrer. Si vous vous sentez éloigné de l'objet livre, vous pouvez ouvrir sur un dispositif, pourvu qu'on reste dans la démonstration/mise en scène d'un phénomène qui ferait appel au visuel.

Le travail sera évalué en continu :

• Sur les présentations des différentes étapes aux dates indiquées. Dates à valider collectivement le 6/02

– 6/02 : présentation du sujet, validation du calendrier, exercices et point technique en relation au sujet
– 20/02 : 10h-12h Visite du CLA, Collection du livre d'artiste.
– 20/02 : mise en image du phénomène choisi : tests plastiques et idées de livre objet ou dispositif.
– 6 mars : Pré-rendu du phénomène avec maquette de l'objet ou du dispositif.
– 24 avril : Rendu quasi final pour le dernier cours d'atelier du Q2
– 9 et 10 mai : Les phénomènes sont exposés lors de Papier Carbone

• Selon les critères suivants : la pertinence du phénomène choisi, le regard porté sur celui-ci, la lisibilité du phénomène, et la qualité plastique du rendu. Mais aussi, comme toujours, la qualité de la relation à l'atelier et la qualité et la générosité des recherches.

EXEMPLES de phénomènes dans le secteur de l'illustration jeunesse et la bande dessinée : D'autres références suivront sur le site.

Iela & Enzo Mari : « La pomme et le papillon »
Lucie Félix : « Après l'hiver »
Anne Margot Ramstein & Matthias Aregui : « Avant/Après »
Carson Ellis : « Koi ke bzzz ? »
Fanette mellier : « Au soleil » - voir l'ensemble de son travail sur son site : fanettemellier.com
Cruschiform : « La science sensible »
Jochen Gerner : « repères » ( journal le 1)
Michel Hellman : « Iceberg »
Nadine Redlich : « Ambient Comics »
Nobrow « A graphic Cosmogony » (collectif)
Antoine Marchalot : « Une vie de famille bien agréable »
Tillie Walden : « I Iove this part »
Julie Guillem « Atlas des nuages »
Michael Deforge « Big kids » « La fourmilière »
Emilie Gleason « Junk food », « Ted drôle de coco »
Max Baitinger « Rohner »
Jérôme Dubois « Jimjilbang »
David B. « L'ascension du haut mal »
Jesse Jacobs « Énergies noires »
Ken Dahl « Monsters »
Charles Burns « Black Hole »
Liv Strömquist « Les sentiments du prince Charles » et tous les livres qui ont suivi.
Kitty Crowther, Alex Cousseau « Dans moi »
Danslecieltoutvabien « Un long voyage »
Mrzyk & Moriceau « Ça mousse au village des boulettes de pieds ! »
Inès Rousset et Simon Burger « J'ai vu des vêtements sauvages »
Bunpei Yorifuji « La vie merveilleuse des éléments », « au coeur du caca », « le catalogue de la mort »...
Aurélie Wilmet « Rorbuer »
Bernadette Gervais « Des trucs comme çi, des trucs comme ça »
Blexbolex « Saisons »
Série « Mes premières découvertes » de Gallimard Jeunesse

EXEMPLES de livres dont la forme est inventive et porteuse de sens ( est-ce qu'on pourrait raconter cela autrement qu'avec cette forme de livre ?/ qu'est-ce que l'invention au niveau de l'objet édité apporte au récit ? )

- Katsumi Komagata : « Quand le ciel est bleu la mer est bleue elle aussi »
( tous les livres de Katsumi Komagata édités à la grande ourse (épuisé))
https://blog.picturebookmakers.com/post/katsumi-komagata
- Katsumi Komagata : "Feuilles"
https://lestroisourses.com/librairie/150-feuilles?artiste=5-katsumi-komagata
- Fanette Mellier « Aquarium »
- Adrien Parlange : « Le ruban » et « Le grand serpent »
- Joëlle Jolivet : « Le corps humain », « moby dick »
- Pop up « Volcans » Fleur Daugey, Bernard Duisit, Tom Vaillant
- Richard McGuire « Here »
- Joseph Lambert « Annie Sullivan et Helen Keller »
- Dash Shaw « Body World »
- Violeta Lòpiz, Valerio Vidali, Riccardo Bozzi « La forêt ».
- Xavier Robel et Helge Reumann « Elvis Road »
- Peter Newell « The Rocket Book » « The Slant Book »
- Sarah Cheveau "Troupeau", voir pdf : livres phenomenes) et aussi le fonctionnement du leporello ici : https://www.youtube.com/watch?v=iyOaLjO6IS0
- Bruno Munari « Dans le brouillard de Milan » et « Dans la nuit noire » (voir pdf : livres phenomenes)
- Antoine Guilloppé « Pleine brume » (voir pdf : livres phenomenes)
- Mathias Picard « Jim Crious, voyage a travers la jungle »
- Amandine Laprun : "Cabane", "Arbre" et "Dans ma main" (voir pdf : livres phenomenes)
- Agathe Demois et Vincent Godeau « La grande traversée » (voir pdf : livres phenomenes)
- « Polychromie » Collectif chez polystyrene (voir pdf : livres phenomenes)
- Ludovic Rio et Adrien Thiot-Rader « Lignes noires » (voir pdf : livres phenomenes)
- PATRIMOINE ! / Un lien pour une video (un peu longue mais l'objet est incroyable) sur un ouvrage de la Renaissance dans lequel une volvelle (dispositif mobile en papier) permet des calculs prédictifs de l'evolution du mouvement des astres.
https://www.youtube.com/watch?v=ruFjrsFJzdE
- Vincent Broquaire "L'évasion"
https://www.editionsdesgrandespersonnes.com/portfolio_page/levasion-vincent-broquaire-novembre-2025/

Sur le design du livre :

- Livres animés - entre papier et écran - Gaëlle Pélachaud éd. PYRAMID
- Pop-up - manuel élémentaire - Anne Goy et Nadia Corazzini - éd. (Les grandes personnes)
- The Book Block - industrial bookbinding techniques - Rúben Dias, Rui Oliveiras, Fábio Martins, Ricardo Dantas - éd. itemzero
- Non-Adhesive Binding : Books without Paste or Glue - Keith A. Smith
- The Pop-Up Channel sur YouTube : 90 tutos sur les techniques du pop-up : https://www.youtube.com/channel/UCx2M2bGHtXBszG6tuR_NIbQ

Workshop Guillaume Chauchat "Magifique accident" novembre 2025

Joanna Lorho — 2025-11-18T13:16:00Z

2 jours de dessin à destination des étudiant·e·s de bac1 à master2 autour d'une méthodologie élaborée par Guillaume Chauchat (le descriptif total est en PJ).

Systèmes de bande dessinée

Rebecca Rosen — 2025-10-24T00:23:17Z

Bien qu'on puisse trouver des exemples d'oeuvres réunissant texte et image à travers l'histoire, on peut tracer les débuts de la bande dessinée en Europe au mi-20e siècle. Dans la presse caricaturale, des séquences d'images servent à développer ou appuyer le propos de l'illustrateur ou du journal.

Honoré Daumier d'après Charles Philipon, La Caricature, 1831.

Louis-Philippe en poire, croqué et publié par Charles Philipon (et traduit en gravure pour l'impression par Honoré Daumier) en 1831 pendant un procès contre le journal de Philipon, Charivari. Cette image, qui représente l'importance d'une presse libre et courageuse, est également exemplaire de certains aspects clés de la bande dessinée, surtout concernant la relation entre l'espace de la page et le temps d'un récit.

Rodolphe Töpffer, Monsieur Vieux-Bois, 1827.

Rodolphe Töpffer est considéré par beaucoup comme étant un des aieux de la bande dessinée. Ce professeur, auteur, dramaturge et auto-éditeur suisse du 19e siècle dessinait avec une encre autographique qui pouvait se transférer directement à la pierre lithographique, éliminant le passage par le graveur pour la reproduction. Il était très inventif dans sa manière de jouer avec la forme, et on voit déjà dans son travail les bases de tout ce qui va suivre en bande dessinée.

Rodolphe Töpffer, Histoire d'Albert, 1844.

Topffer était un ovni, bien en avance sur son temps, surtout à sa manière de jouer avec la taille, la forme et la disposition des cases, qui sont en adéquation avec le rythme de la narration.

Winsor McCay, Little Nemo in Slumberland, New York Herald, 1906.

80 ans plus tard, Windsor McCay représente l'apogée de la bande dessinée journalière développée aux États Unis au début du 20e siècle. L'industrie de la presse était en plein essor et le développement de la bande dessinée doit beaucoup à la compétition entre les gros magnats de presse, qui essayaient par tous les moyens d'attirer les lecteurs issus d'horizons variés, notamment les immigrés et les classes ouvrières nouvellement alphabétisées. Ces pages apparaissaient dans le journal du dimanche, qui mesurait 40 x 53 cm et était imprimé sur les meilleures presses couleurs de l'époque. McCay maîtrisait toutes les tensions qui sont à la base de cette forme d'art : entre le texte et l'image, le mouvement et la stabilité, la planche et la case.

Winsor McCay, Little Nemo in Slumberland, New York Herald, 1908.

La case

Contrairement à un tableau, une case n'a pas de hors champ mais plutôt ce que Benoît Peeters appelle le péri-champ : les autres cases et la page d'en face, qu'on perçoit dans notre champ de vision périphérique en lorsqu'on regarde une case.

En occident, on commence toujours par appréhender la page— ou la double-page— avec un regard diagonale, partant d'en haut à gauche. Ensuite, on lit la page avec la lecture dite "en Z". (Évidemment, lorsqu'on lit un manga, c'est plutôt l'inverse.)

La lecture se fait donc en deux étapes : on appréhende d'abord la page (ou double-page) en entière avant de lire les cases dans le bon ordre.

Une case de bande dessinée se distingue aussi de la peinture narrative— et dans une certaine mesure, de l'illustration— par sa relation au temps.

Alice Neel, Well-baby clinic, 1928.

Tandis qu'une peinture narrative, comme celle ci-dessus d'Alice Neel, condense un récit dans un moment capturé dans l'image, une bande dessinée segmente le récit en plusieurs moments (qui peuvent être elle-mêmes fragmentées en différentes images.)

Lauren weinstein, vineyland, 2015.

En gros, on pourrait mettre à suivre sous chaque case…

Tiger Tateishi, Beautiful moon, 1979.

Une case isolée peut être une image abstraite, mais avoir un sens lorsqu'elle est lu dans une série de cases. Pierre Fresnault-Desruelle dit que la case est une image en déséquilibre, entre le moment précédent et le moment suivant, entre l'autonomie de l'image et son inscription dans un récit et dans une composition.

Les cases dans ces sérigraphies de Tiger Tateishi sont suspendus entre deux moments (avant et après) et deux statuts (case et tableau).

Tiger Tateishi, The first suggestion, 1979.

Chris Ware, Acme Novelty Library 7, 1996.

La planche

Pierre Fresnault-Desruelle parle de deux sortes de lectures. Dans un premier temps, il y a la lecture linéaire— de gauche à droite et de haut en bas (lecture en Z). Mais il y a aussi la lecture tabulaire— l'oeil fait des allers-retours sur la page pour comprendre la signification de certains objets ou symboles, ou la différence entre deux cases semblables, ou encore pour comprendre la disposition de l'espace hors-champ. La lecture tabulaire est "multi-directionnel, rythmé" ; c'est l'effet de la forme sur le contenu.

Winsor McCay, Little Nemo in Slumberland, New York Herald, 1906-1911.

Lorsqu'on lit une bd, toutes les cases qu'on a lu restent nichées dans nos cerveaux et nous servent de références pour la suite. Si un image ou un motif se répète sur la même planche, cela nous permet de créer des liens, parfois subtils, entre différentes parties de la planche, influençant la compréhension et l'expérience de lecture. C'est ce que Thierry Groensteen appel le « tressage iconique ».

Dans la planche de McCay ci-dessus, on voit le tressage de plusieurs motifs visuels : le lit de Nemo, les vagues, le monstre marin qui est "annoncé" dans la première case et apparaît vers la fin du récit. Dans la planche de Bretécher ci-dessous, ce sont deux types de cases- ayant différents styles de traits- qui sont tressés ensemble.

Claire Bretécher, Les frustrés, 1975.

Mise-en-page

Benoît Peeters utilise ce tableau pour identifier 4 types de mise-en-page qui sont plus ou moins attachés au récit.

Conventionnelle :

Le gaufrier classique : des strips arrangés en bandes, 3 ou 4 cases sur 3 ou 4 rangées
Le récit est dominant et autonome de la mise-en-page.
Cette mise-en-page offre beaucoup de flexibilité concernant le format éditoriale. À une époque, ça permettait de faire des albums en réunissant des pages ou strips publiés dans des journaux et revues ; aujourd'hui ce genre de gaufrier classique divisé en carrés se prête à des bandes dessinées publiées sur Instagram.
La lecture est régulière, rythmée, répétitive… la case finit par disparaître, car on n'y pense plus.

Anouk Ricard, Animan, 2022.

Décorative :

Le tableau est dominant mais le récit est autonome : l'organisation esthétique prime sur la narration. Chaque page est une composition qui cherche à créer une ambiance, mettre en avant le contexte de l'histoire (une époque ou une culture, par exemple) ou surprendre par son originalité. Ça peut nuire à la lecture voire prendre le dessus sur la narration, surtout si c'est utilisé pour dissimuler que l'histoire est un peu nul.

Annie Goetzinger, La légende de Casque d'or, 1976.

Rhétorique :

Le format et la disposition des cases sont dicté par le récit : il y a une grille mais les cases sont élastiques et changent au service de la narration. On voit ça dans la bande dessinée franco-belge classique— il y a une grille claire mais elle peut s'adapter selon le contenu des cases et le rythme de lecture souhaité.

Hergé, L'île noire, 1938.

Productrice :

L'organisation de la planche dicte la lecture du récit— le sens de lecture dévie de la normale et cela influence la narration.

Chris Ware, Building Stories, 2012.

La mise-en-page productrice est souvent intimement lié à l'univers narratif spécifique de l'auteurice. Par contre, ce n'est pas forcément commode au réalités du marché de l'édition— s'il faut ré-éditer, traduire, etc.

Lynda Barry, What it is, 2008

Thierry Groensteen, propose un système plus flexible de classification, selon laquelle la mise-en-page peut se situer entre 4 pôles : régulière ou irrégulière et discrète ou ostentatoire.

Où est-ce que vous situerez cette planche de Moebius sur l'axe ?

Moebius, Arzak l'arpenteur, 1977.

Stratégies pour mener une recherche graphique

Rebecca Rosen — 2025-10-23T22:19:50Z

Vous avez cherché et trouvé, vous avez réuni vos sources et noté vos idées, vous avez écrit une histoire, vous avez dessiné des croquis... c'est le moment de réfléchir à la forme graphique que vous allez donner à votre projet. Comment choisir la bonne technique, le matériel approprié, la composition la plus efficace pour communiquer vos idées ?

Ci-dessous, on vous propose deux stratégies pour mener une recherche graphique dans le but de communiquer une idée via un support visuel. Les deux sont tirés de livres datent des années 1970, une époque marqué par l'émergence de la théorie des médias. Des chercheurs dans ce champ, tel que Marshall McLuhan, se penchaient sur l'étude de la communication via différents médias afin de mieux comprendre comment celles-ci fonctionnent et les effets (physiques et psychiques) qu'elles peuvent produire. Dixit McLuhan : "Le média est le message." Les deux théoriciens/designers cités ci-dessous (dont vous pouvez aussi lire des extraits dans les PDFs attachés à cet article) sont issus du même mouvement : par des méthodes très différents, ils proposent de disséquer la communication visuelle afin de comprendre les différents éléments qui la composent.

Ces stratégies sont des propositions, à prendre comme des incitants pour développer vos propres stratégies de recherche graphique, adaptées à vos projets. À droite vous trouverez des extraits des ouvrages mentionnés : les deux livres sont disponible à la BAIU.

Dans les mots du designer-illustrateur-pédagogue Bruno Munari, « une communication intentionnelle devrait être reçue en comprenant pleinement le sens voulu par l'emetteur. » Dans son livre Design et communication visuelle (1973), Munari propose une approche expérimentale de la recherche graphique.

D'abord, Munari nous met en garde contre le fait que « chaque récepteur, et chacun différemment, est doté de « filtres » à travers lesquels le message devra passer pour être reçu. » Il identifie les filtres sensoriels (physiques), opérationnels (psycho-sociaux) et culturels qui peuvent influencer la lecture d'une image.

Afin de contourner ces filtres, Munari propose de décomposer le message d'une communication visuelle, d'abord en divisant la communication en deux parties ; l'information propre au message et le support visuel (l'ensemble des éléments qui rendent visibles le message). À partir de là, il identifie les éléments composant le support visuel : la texture, la forme, la structure, le module, le mouvement, tout en reconnaissant qu'il peut être difficile de distinguer l'un de l'autre élément. (On pourrait en rajouter : la couleur, le poids, etc) Munari propose alors de recueillir des échantillons de sources variés (du monde naturel, de l'art, des éléments imprimés éphémères, etc.) et de mener des recherches originales sur base de celles-ci.

Dans Le syntaxe de l'image (1972), le théoricien Donis A. Dondis propose des pistes de recherche axés autour de la composition de l'image pour mettre au travail ce qu'il appelle « l'intelligence visuelle appliquée » : les ressources intellectuelles accumulées et les connaissances techniques développées à travers la pratique.

Dondis considère que le contenu et la forme de l'image sont irréductibles et inséparables. Dans l'extrait de chapitre ci-joint, il propose une série d'oppositions (avec des exemples illustrés) pour décrire différentes compositions et ce qu'elles expriment.

[WIP] Cadrage et composition d'une image.

Joanna Lorho — 2025-10-16T17:49:31Z

[WIP] Nous inaugurons un nouvel article qui devra s'épaissir et se préciser sur des notions de cadrage et de composition.

1. La composition d'un image, remarques générales...

• L'agencement des éléments d'une image est fondamental pour la compréhension de cette image.
• La composition va travailler l'espace de l'image et les formes qui s'y trouvent. Une image "bien composée" sera plus efficiente, plus satisfaisante dans la conduite d'un récit qu'une image "bien dessinée".
• Les questions lorsqu'on conçoit une image dans le cadre d'une narration, devraient être du type "quelle idée doit véhiculer cette image ?" "quelle situation ?" => "quels éléments devraient s'y trouver pour que le sens passe ?", "quels sont les éléments importants (et moins importants)" : la réponse à ces questions devrait déterminer le choix et la place des éléments dans l'image.
• Globalement, notre attention ira vers l'objet/sujet qui occupera le plus d'espace dans l'image, mais aussi qui sera le plus au centre.
• La coposition est aussi une question de lisibilité, de circulation de l'oeil, dans ce travail d'agencement il faut repérer la circulation des valeurs et les interférences possibles.
• Le choix de la composition sera influencé par le type de dynamique que vous souhaitez instaurer (exemples à suivre dans les images de Kamishibai)

(la source des images utilisées est ici)

2. Les différents plans :

Comment sont agencés les 1er, 2nd et arrière plans ? Amène plus ou moins de dynamique aux images, participent au sens et au climat du récit
• premier plan (foreground) : Éléments les plus proches et détaillés.
• plan intermédiaire, second plan (midground) : tout ce qui se trouve entre le premier plan et l'arrière plan
• arrière plan (background) : tout ce qui contribue visuellement au contexte, qui donnent des informations plus larges sur le lieu.

Noter que certains types d'images ne distinguent pas les plans, et cela a aussi un effet bien particulier : tous les éléments ont l'air d'égale importance, aussi on a le sentiment que le temps est comme figé dans un temps indéfini...
Comme dans "Le jardin des Délices" de Jérôme Bosch... Ou chez Susan Rotraut Berner, Sophie Guerrive.... Ou dans "Elvis Road" de Helge Reumann et Nicolas Robel...

3. Les types de cadrages :

• Le plan général : montre un espace vaste et a pour fonction de situer l'action : repères géographiques, topographiques, ambiance générale...
• Le plan d'ensemble : on peut commencer à apercevoir un ou plusieurs personnages.
• Le plan de "demi ensemble" : permet de faire le focus sur un personnage mais ce personnage sera encore assez noyé dans le décor.
• Le plan moyen : le personnage apparaît en entier dans le cadre, le décor est présent mais nous n'avons plus assez d'éléments pour situer l'action
• Le plan américain : cadre en dessous de la taille pour le personnage.
• Le plan rapproché : cadre au dessus de la taille du personnage
• Le plan serré / gros plan (close up) : cadre sur le visage donc sur une réaction ou une émotion. Ou sur une action précise (les mains qui font quelque chose), un objet déposé...
• Super gros plan (extreme close up) : on peut voir les détails plus qu'on ne les verrait dans la vie, assez particulier et non naturel, ajoute un effet dramatique

4. Le point de vue :

• vue du dessus : cadré au dessus du "eye level" du personnage, donnera au personnage un côté vulnérable.
• vue de dessous : cadré sous le regard du personnage, donne habituellement un effet de prise de pouvoir, de domination sur la situation, sur la personne (sauf si ce point de vue est un POV d'un autre personnage)
• par dessus l'épaule : dans un plan moyen ou serré, dans le cadre d'un échange (amène de la dynamique)
• POV point de vue : suggère le point de vue d'un personnage

5. La profondeur de champs :

Notre attention sur ce qui se passe au premier plan sera accentuée par la profondeur de l'image, plus la distance est grande, plus le contraste est grand entre ce qui arrive au premier plan et derrière.
Pour créer une impression de profondeur il faut que des éléments se recouvrent et il faut diminuer la taille des éléments au fur et à mesure qu'ils s'éloignent du premier plan.
Penser à "cropper" des éléments, ils sont au premier plan et nous n'en voyons qu'une partie.

6. Les lignes de composition :

La dynamique crée dans l'image, détermine comment l'oeil va circuler, vers quoi il sera guidé dans son exploration de l'image. Selon quel chemin. C'est un effet important qui va donner des information de manière inconsciente sur le climat de l'image et le type d'action décrit. Attention à ne pas créer d'interférences.

7. Les valeurs :

Nos yeux sont attirés par les contrastes, la lecture et l'identification sont plus facile, notre esprit est stimulé par le contraste visuel.

On regarde quelques panneaux issus de kamishibai japonais traditionnels :

Noter que tout le travail de compo et de cadrage est super inspiré du cinéma : (du cinéma US en particulier) - pour en savoir plus, aller lire l'article : Quelques notes autour du Kamishibai.

1. Premier épisode :

• Scène d'ouverture, un paquebot traverse les mers :

• Le paquebot est violemment heurté et sème la panique chez les passagers :

• C'est un crabe des mers géant. Est-ce un accident ? Pourquoi non ? Pourquoi devrions-nous nous inquiéter ?

• Il fallait s'inquiéter...

• Que ressentent les spectateurices ?
• Les nouvelles se répandent vite semant l'inquiétude, c'est là qu'intervient Prince Gamma, il va percer l'oeil du crabe, qui est en fait une machine. Il poignarde le méchant, délivre le gentil qui va conduire le crabe pendant que Gamma répart les dégâts.

• Tel un ballon dégonflé, le crabe est remorqué par un paquebot. (comparer avec le début).

• Le professeur retrouve sa fille devant la foule émue. Prince Gamma tel Zorro prend 2 secondes pour admirer son exploit avant de s'envoler pour de nouvelles aventures.

2. Deuxième épisode :

• (ne jamais oublier : le titre !)

• Comment amener de la dynamique dans la poursuite ? Attention jeune héro, il faudrait que tu regardes devant toi...!

• Comment montrer à la fois la joie du méchant et le constat du groupe (qui confirme la chute dès fois que nous ayons encore un doute) ?

• Cliffhanger de l'épisode !!!

• Intro d'un nouvel épisode : le plan général est nécessaire pour comprendre ce que "le méchant" et sa bande projette de faire. On passe d'un plan d'ensemble à un plan de demi ensemble.

[WIP] Comment s'organiser ?

Joanna Lorho — 2025-10-12T10:06:15Z

Ici on relève les outils qui nous aident à nous organiser, ou à organiser nos sources et notre travail.

Organisation du temps.

– Étant donné une parole qui s'ouvre et qui circule autour de la neuroatypie, beaucoup de contenus circulent en ligne pour s'organiser lorsqu'on est TDAH par exemple. (il existe même des appli ). Il y a de bonnes choses à prendre, même lorsque l'on est pas concerné·e·s (pinterest et instagram regorgent de ces contenus).
À tester, en gardant en tête que ça ne doit pas devenir de la procrastination active => je passe plein de temps à faire des to do list et à m'organiser, ça me donne le sentiment de travailler, mais en fait j'avance pas, et je ne vais pas utiliser ces outils que je mets en place #oups :/. Et sondez bien le discours qui sert l'outil : est-ce que votre but est d'être plus productif·ve ? Pas forcément ! Le but est de trouver son organisation et son rythme. Et si ce rythme est plutôt lent, s'organiser en sachant cela. Nous ne sommes pas supposé·e·s travailler plus, mais travailler mieux, donc moins s'épuiser, moins se prendre la tête...

– Joanna utilise un type de page qui marche bien pour elle pour organiser les journées au 1/4 d'heure près (et qui permet de rendre visible les temps difficiles à prendre en compte pour une TDAH comme : les temps de pause, les temps de trajets, le temps qu'il faut pour faire une course...) Voir le pdf "semaine carnet pages".

Organisation des contenus digitaux.

– Obsidian (description à venir)
– Evernote (description à venir)
– Zotero (description à venir)

Organisation des contenus physiques.

– Le système ATOMA permet de mettre à jour vos notes, et les déplacer, de changer l'organisation, sans perde la côté "cahier".
– Ikea propose des boites d'archives en carton pas chères qui sont la taille idéale pour stocker du format A4.
( la boite "pappis" 25x34x26 à 1€, la boite "vattentråg" 32x23x10 à 0,50€, les range-revues "tjabba" à 0,50€ les 2...)

(illustration de tête de l'article : Liana Finck).

[WIP] Comment chercher ?

Joanna Lorho — 2025-10-09T08:40:41Z

Ici, un article - en WORK IN PROGRESS - autour de la question de la recherche.
Très incomplet pour le moment, car c'est une question qui demande une longue réflexion et beaucoup de ressources, nous entamons le travail aujourd'hui.

Toutes les propositions artistiques reposent sur une culture générale, artistique, visuelle, littéraire, philosophique, scientifique ... plus ou moins étendue. Le travail de recherche qui soutient et nourrit un processus créatif est absolument essentiel pour produire un travail artistique pertinent et empouvoirant.
Lorsqu'une piste se dessine, ou pour qu'une piste se dessine, vous devez entamer un travail de recherche, de déambulation, parfois de manière précise (vous chercher une info en particulier), parfois de manière plus hasardeuse (et vous capturez ce qui vous intrigue pour plus tard). Vous devez vous nourrir pour avancer : récolter des sources (ou aller retrouver des sources que vous avez collecté par le passé), des textes, des images, de la documentation qui vont vous guider, vous éclairer pour construire un propos le plus juste possible, le plus riche, le plus étayé, pour avancer vers votre propre écriture, votre manière de dire, de raconter, de fabriquer des images et de les faire tenir ensemble.
Si vous ne savez pas encore vers quoi chercher, partez en mode exploratoire, suivez des fils, laissez-vous dériver. Aller voir le travail des autres ! N'attendez pas que l'idée tombe du ciel.

citations issus du livre d'Arteaga (wip à venir)

Nous sommes vraiment pour une attitude d'ouverture maximale dans votre cheminement, tous sujets, supports/médias confondus. On peut parler de méthode "heuristique" : soit un travail propice à la découverte par soi-même, aux associations inattendues, singulières, à travers des modes d'exploration et d'association qui vous sont propres.
Nous pensons qu'une méthodologie est nécessaire dans ce cheminement, pour contenir, relier, entretenir et activer les références qui vont nourrir vos réflexions et votre pratique dans le temps.
Il n'y a pas de méthodologie miracle, vous devez trouver vos manières de récolter et conserver vos notes et références. ( (re)Voir "[OUTILS] Le carnet" qui mets cette demande au travail ). Voir aussi en bas de l'article des suggestions d'organisation (physiques ou digitales).

Si vous pensez pouvoir produire un travail sans documentation, sans recherches, votre processus a de grandes chances de s'étioler, d'être pauvre, de brasser des idées/dispositifs déjà vus (et peut-être problématiques), sans grande invention. Et vous risquez de ne pas ressentir beaucoup de satisfaction.

La première chose donc, c'est d'activer la recherche.

• Formuler une demande, formuler une question : chercher la précision, utiliser les bons termes.

Si l'objet de votre recherche est trop large, trop flou, formulé avec des termes trop vagues, les résultats vont être très décevants. Imaginez, vous consultez internet pour concevoir vos prochaines vacances (déjà ce serait discutable, mais soit.), vous tapez "vacances" dans votre moteur de recherche. Vous n'arriverez à rien d'intéressant. Vous devez d'abord affiner l'objet de votre recherche : Quel type de vacances ? dans quelle région ? à quelle période ? selon quels moyens de transport ? pour quelle durée ? en mode local ? en mode explorateurice ? En mode incognito ? en mode touriste ? seul·e ? en famille ? .... Dans le même esprit, vous cherchez une recette de cuisine, vous allez devoir préciser votre recherche. Plus la demande est détaillée, précise, plus la réponse sera riche et complexe. Il va falloir découper la recherche en demandes plus précise, puis agréger une série de résultats qui vous semblent intéressant pour continuer d'avancer.
Si internet est une ressource incontournable, ne vous limitez pas non plus à cette voie. Trainer dans les rayons d'une bibliothèque vous apportera une regard tout à fait différent sur votre exploration. Laissez vous dériver d'un rayon à l'autre, soyez curieux·se·s et laisser vous imprégner par l'agencement du lieu... Aby Warburg parle du "principe bon voisin" : « Quand vous allez prendre un livre dans les rayons, celui dont vous avez réellement besoin n'est pas celui-là mais son voisin. ».
Lieux de partage/circulation de connaissance : les gens, les livres/les bibliothèques, l'observation personnelle (avec méthodologie), sites internet, forums, blogs, podcasts, émissions, journaux, archives, documentaires, films, expositions... => vous devez impérativement diversifier vos lieux d'exploration, et vos rythmes d'exploration. Quelqu'un·e vous propose un contenu youtube de 5 min pour tout comprendre sur un sujet ? Mmmmmh c'est louche.
Ayez toujours en tête l'"effet Dunning-Kruger", ou l'effet de surconfiance. C'est un biais cognitif qui mets en lumière le fait que c'est un manque de connaissance qui nous fait penser que nous sommes assez renseigné·e·s sur un sujet. À l'inverse, au plus on s'instruit sur un objet de recherche, au mieux on en saisit la complexité, les nombreuses ramifications, les différents moyen d'aborder le sujet et donc, au plus nous serons humbles et réalistes sur nos compétences/connaissances et qualification réelles par rapport au sujet. => vous voulez être crédibles ? Entamez des recherches sérieuses.

=> Vous voulez en lire plus sur les biais cognitifs ? Ici, le codex des biais cognitifs traduit par Albert Moukheiber.

• Il faut toujours garder et regarder les sources. D'où vient l'info ? Qui est l'auteurice ? De qui est cette image ? De qui est cette citation ?

Prenez note. Prenez note. Prenez note.
Relisez, parcourez vos notes, classez les si besoin. Régulièrement
Diversifiez vos sources. Vous ne pouvez décemment pas vous faire une opinion pertinente à partir d'une seule source.
De quand datent vos sources ? Qu'a-t-on découvert depuis ? Existe-t-il un discours qui critique cette source ?
Les propos/images qui ne sont pas sourcés => poubelle ! Sauf si vous retrouvez la source vous-même.
Apprenez à distinguer les faits, les croyances et les opinions.
– Les faits : C'est une réalité observable : La radio montre que votre cheville est cassée.
– Les croyances sont des convictions individuelles et suggestives : J'en étais sûre, j'ai la poisse en ce moment.
– Les opinions reflètent nos manières de penser et de concevoir le monde. Elles sont nourries par nos croyances, nos savoirs/connaissances, ce qui nous influencent, des informations de sources diverses, des vécus individuels ou collectifs, ou encore des données culturelles et sociales : Ça va me faire mal pendant des mois.

=> Ce qui nous intéresse dans le discours des autres ne sont pas leurs croyances, ni leurs opinions, mais ce qui les amène à penser ou à croire ceci ou cela. Afin que nous puissions réfléchir et dialoguer ensemble. C'est ce qui nous intéressera à notre tour lorsque nous regarderons votre travail.

Méfiez-vous donc lorsque vous entendez ou formulez des propos ramassés qui contiennent ou suggèrent des "on sait toustes que", "depuis toujours", "toujours", "jamais", "il faut...". Nous vous conseillons de bien vous méfier de tout de ce qui va se rapprocher de la sentence ou de l'aphorisme (dont le but, pour celleux qui ne connaissent pas est de faire tenir une idée/un jugement dans un phrase percutante, comme une petit musique facile à retenir. Exemples - au hasard - "Il faut souffrir pour être belle.", "Ce qui ne tue pas nous rends plus fort·e·s" Nietzche, vraiment merci... :/, "L'avenir est à celleux qui se lèvent tôt." ... tout ça...). Cela peut paraître évident ou bateau, mais nos discours sont truffés de raccourcis, vous en trouverez certainement bien un peu dans ce qu'on écrit ici, et nous en trouvons très souvent dans vos travaux écrits : DCP, TFE...

• Agrandir la recherche à partir des sources accumulées.

Suivez les sources des sources => Un article wikipedia est écrit à partir de sources, allez jeter un oeil sur les aspects qui vous intéressent le plus, ou les aspects qui vous semblent les plus complexes. (Oui mais alors, on remonte jusqu'ou ?? La réponse d'Alice Zeniter (eh oui, encore elle.) nous semble pas mal à ce propos : (wip - à venir)
Vous avez capturé une image qui vous inspire ? De quel artiste s'agit-il ? Ne contribuez pas à l'invisibilisation des artistes. Notez ! Allez en voir plus sur cet·te artiste.
Les artistes ont toujours des inspirations, allez voir ce qu'iels racontent en interview (en radio par exemple).
Certains livres ont des bibliographies en fin d'ouvrage, allez voir !
Un essai vous plaît ? Regardez un peu ce qu'a fait l'auteurice avant ou depuis ? Regardez quelle(s) maison(s) d'édition publie(nt) son travail, allez explorer les catalogues.
Un artiste ou un·e chercheu·r·se vous intéresse ? Il y a certainement des émissions/podcasts/rencontres filmées dans lesquelles iels parlent de leur travail, allez les écouter !

• Capter, collecter, organiser.

Prenez le pli de collecter les images - pas seulement sous format digital ! #GRRR - qui vous séduisent, vous stimulent, vous interrogent, vous inspirent. Classez les pour pouvoir les retrouver au besoin. Réfléchissez à ce qui pique votre attention. Vous aimez l'ambiance de telle scène de film (le cadrage, la lumière, la composition...) HOP faites une capture d'écran.
Prenez l'habitude d'analyser ce que vous aimez : vous trouvez que ce récit fonctionne ? Pour quelles raisons selon vous ? Vous vous êtes senti·e·s happé·e·s, stimulé·e·s, rebuté·e·s, mal à l'aise ? Quelle sont les mécaniques à l'œuvre ? Cette image vous retient ? Quels aspects vous plaisent particulièrement ?
Formez des séries et observez les récurrences "tiens, je collectionne beaucoup d'images qui contiennent tel élément..." "tiens, je suis particulièrement attiré·e·s par les images contrasté·e·s..." "Tiens il n'y a jamais de sujet dans les images que je sélectionne..."...
Collectez des matières/des couleurs/des typos/des logos/ des types d'impressions (demandez-vous toujours "tiens, c'est imprimé comment ?" et si c'est inventif, gardez le pour plus tard ... sur des supports physiques : cherchez votre gamme de couleur, commencez ordonner vos échantillons. Vous trouvez une gamme de couleur qui vous plaît sur une image, un flyer, une carte postale, une couverture de livre : répertoriez cela pour plus tard.
Lorsqu'un outil vous plaît, lorsqu'un accident arrive, lorsque vous faites une découverte plastique : NOTEZ, archivez. Ex. Ce mélange dont j'adore la teinte c'est tel tube + une pointe de tel tube et je dilue avec tel médium. Tel feutre sur tel type de papier = gros kiff....

Pour aller plus loin, des suggestions d'organisations sont proposées ici : [WIP] Comment s'organiser ?

(image d'erhenzweig à venir)